(28 julio 1947, Paris)
Como estudiante de medicina en Niza, Georges Rousse decidió aprender técnicas de tiro e impresión de un profesional y luego crear su propio estudio de fotografía arquitectónica. Su pasión lo impulsa a dedicarse por completo a una práctica artística de este medio, siguiendo los pasos de los grandes maestros estadounidenses de la fotografía de paisajes y arquitectura como Edward Steichen, Alfred Stieglitz o Ansel Adams.
Descubre a los artistas del Land art, que combinan intervenciones plásticas efímeras en el espacio natural del paisaje y narradas por la vista fotográfica, testimonio de esta intervención y luego decide intervenir plásticamente en el espacio fotográfico correctamente. dicho no en la imagen sino en la realidad directamente; estableciendo así una relación entre pintura y «espacio». Para poder dibujar en el espacio, la necesidad de la fotografía como una declaración de una acción artística en el espacio implica la práctica de la anamorfosis, técnica de distorsión de la imagen inventada por Piero de la Francesca durante su investigación sobre la perspectiva espacial.
En el corazón del cuestionamiento de la naturaleza de la obra de arte, su trabajo se refiere fundamentalmente a nuestra relación con el espacio y el tiempo, conceptos transmitidos por su medio de creación: fotografía.
Su material principal es el espacio. El segundo es Fotografía.
Desde el comienzo de su trabajo, se hace cargo de lugares abandonados, que siempre ha amado (baby boom, creció en ruinas, que data de la Segunda Guerra Mundial), para transformarlos en espacio pictórico (el estudio de su artista) y construir una obra única de corta duración allí, que solo restaura la fotografía, en una obra final. Desde la visión del objetivo, construye en estos lugares de vacío un trabajo utópico, proyectando allí su visión del mundo, su «universo» mental, cruzando preocupaciones plásticas en resonancia con el lugar, su historia, la cultura de País donde opera. El trabajo in situ, creado para y en el lugar, las fotografías resultantes son portadoras de la memoria del lugar donde intervino, su pasado representado por el estado de abandono y resaltado por intervención plástica del artista, pero también de la memoria del gesto del artista.
Georges Rousse también destaca la relación problemática, en las sociedades industrializadas, del hombre con su rastro, arquitectónico entre otros, con su memoria y, por lo tanto, con el tiempo. Estos lugares precarios, rechazados, ignorados, a menudo degradados, cuya desaparición está cerca, son como una metáfora del feroz flujo del Tiempo hacia el olvido y la muerte. Al sublimar estos espacios, quiere demostrar que siempre es posible restaurarlos, transformarlos hacia otro lugar, extender su vida, a través del rastro fotográfico. Y más, para darles otra dinámica.
Con la fotografía, Georges Rousse nos obliga a una lectura estática de arquitecturas, a una investigación inmóvil de la Imagen, que poco a poco transforma nuestra percepción del Espacio y la Realidad. Nuestras certezas y hábitos perceptivos se ven perturbados por la reunión en la imagen final de tres espacios: el espacio real en el que interviene el artista y el espacio ficticio y utópico que imagina y luego construye pacientemente en el lugar, superpone un nuevo espacio que solo ocurre en el momento del disparo y solo existe a través de la mediación de la fotografía. Más allá de un simple juego visual, esta enigmática fusión de espacios en la imagen deslumbra la cuestión de la reproducción de la realidad a través de la fotografía, de la brecha entre la percepción y la realidad, entre la imaginación y la realidad.
Debido a que la fotografía, el propósito de la acción pictórica, es una superficie plana, las formas que pinta o dibuja, los volúmenes y arquitecturas que construye se dividen, desglosan, en los diferentes planos espaciales de los edificios a veces monumental La fotografía reúne la Imagen en una síntesis magistral donde Pintura, Arquitectura, Dibujo se inscriben en el Espacio para hacer visible la ficción del artista.
«Ella (fotografía) realza el lugar. Elimina los elementos más desagradables. Los malos olores, la miseria, las enjambres de ratas. Así que tenemos un espacio que, en última instancia, está en su seducción más total. Una seducción que la instalación tiende a aumentar además. Por lo tanto, mi fotografía trata de dar lo mejor de la arquitectura en un momento dado. Y todo lo que se experimenta, todos los días, el ser humano desaparece «
Para permitir que los espectadores compartan su experiencia del espacio, presentó sus imágenes en impresiones de gran formato de principios de los años ochenta. Este trabajo fuerte y único que mueve los límites entre los medios tradicionales se ha establecido inmediatamente en el panorama del arte contemporáneo.
El trabajo de Georges Rousse ciertamente ha evolucionado considerablemente, pero es una evolución gradual, dentro de un protocolo de trabajo que se ha mantenido constante: un solo medio: fotografía; el mismo tipo de lugar: edificios abandonados o edificios en espera de trabajo en los que el artista interviene dibujando o pintando; una fotografía de esta intervención diseñada desde el punto de vista particular de la cámara, que muestra cómo ella comenta o transforma la arquitectura existente.
Todo el proceso de trabajo de Georges Rousse se implementó gradualmente, aumentando a lo largo de su investigación para ocupar el espacio «de lo contrario». Su trabajo se alimenta de contexto, reuniones y recursos. En este sentido, no es un trabajo conceptual.
Su obra
La anamorfosis
El principio de anamorfosis se define como un modo de explosión en el espacio. Los elementos pintados (figuras, esculturas intangibles, etc.) solo pueden restaurarse visualmente si los miramos desde un cierto punto de vista, en el que el artista pone su ojo en su cámara. Si cambias un poco, ya no percibes lo mismo en absoluto.
A lo largo de su trabajo, Georges Rousse ha utilizado enormemente este principio, que él mismo define como una «herramienta».
«La anamorfosis no es más que una herramienta, como el pincel cuando dibujo una forma o la arquitectura cuando construyo o rompo un muro. No es más que una simple herramienta visual. Me gusta mi cámara Entonces, para mí, hay una conjunción en el uso de la anamorfosis y la fotografía. Cuando miras mis fotos, no hay efecto anamórfico. La imagen que vemos allí, sin embargo, proviene del proceso de anamorfosis «.
La fotografía que el artista da para ver muestra la imagen de una anamorfosis, pero no es una anamorfosis en sí misma. Es una escultura, un volumen piramidal, por ejemplo, o una mesa, como hay en la serie de tablero de ajedrez. El objetivo es introducir una perspectiva y una acción pictórica dentro de un espacio que es la fotografía. Cuando comprendemos que sus imágenes no se incluyen en la técnica de copiar / pegar, podemos intentar deconstruir lo que tenemos frente a nosotros. Hay todo un camino estático posible para tomar delante de la imagen: seguimos una línea, vemos que comienza desde el suelo, pasa por la pared, se desliza en una esquina, vuelve al frente, va al techo para descender etc. Hay anamorfosis pero estática, inmóvil.
Figuración
A principios de la década de 1980, su trabajo se manifestó a través de toda una serie de fotografías que exigían una forma de «figuración libre». De hecho, el artista interviene en lugares abandonados, destinados a ser demolidos, en los que pinta figuras humanas.
Luego, a partir de 1983, se interesó más en el espacio y el diseño de los planes para invertir: los personajes fueron pintados en diferentes paredes (en piezas pequeñas) y solo la fotografía reconstituyó la unidad por puntos de vista adoptada.
Para el artista, es una forma de rechazar la foto introduciendo personajes pintados en todo tipo de soportes (especialmente en las paredes de lugares abandonados). Entonces, la pintura le parece tan «superior» a la fotografía en términos de sus posibilidades de uso. En este punto, el artista se da cuenta de que en su trabajo, la pintura es solo un simple «medio». Su soporte es el muro.
La experiencia de la relación entre la figura pintada y el espacio, luego de esta relación de la foto con el sujeto pintado, constituyó solo una fase en su trabajo. A partir de entonces, el artista reconsidera su relación con el espacio y dejó la figuración y se interesó por los volúmenes geométricos, a los que llamó «esculturas intangibles».
Esculturas intangibles
Estas esculturas intangibles son figuras visibles, reconocibles, cuyo material y textura se entienden, pero que son esquivos en su realidad física porque solo están dibujando.
Después de la secuencia figurativa, Georges Rousse se hizo la pregunta de cómo introducir esculturas en el espacio. ¿Debería construirlos, pero en qué se convertirían? ¿Debería sugerirlos, pero cómo? Después de pasar por diferentes etapas, hizo una experiencia decisiva durante un viaje a Calcuta. Debido a la pobreza y la multiplicación de familias numerosas, la ciudad está compuesta de edificios que se desarrollan de acuerdo con un sistema de crecimientos externos empíricos que satisfacen las necesidades del espacio vital. Del mismo modo, el artista imagina poner volúmenes en su obra, pero de manera virtual, pintándolos en el espacio como las figuras anteriores. Luego, poco a poco, se le ocurre la idea de construir crecimientos propios y eso lo lleva un poco más tarde a una serie completa de fotos que presentan el interior de los círculos con formas oblicuas, suaves, etc.
Palabras
Durante el trabajo de preparación de sus obras, Georges Rousse toma todo tipo de notas sobre pintura, arte, soledad, muerte, que dan lugar a los cuadernos. Entonces se le ocurrió la idea de expresar su relación con el espacio, ya no creando ninguna figura allí sino transfiriendo estos textos a algún lugar del mismo lugar.
Siendo también un gran amante de la poesía y la literatura (André du Bouchet, Philippe Jaccottet), Georges Rousse busca saber cómo lidiar con el espacio para producir algo similar a lo que experimenta en el leyendo los textos de estos autores. Es decir, cómo restaurar esta relación espacial de palabras al blanco de la hoja.
Para estas obras usa palabras del griego, como «Gaïa» o «Eros», inglés, como «light», y francés como «eau». Las palabras son para él una nueva forma de habitar el espacio, a través de la poesía.
Puertas
De 1985 a 1987, Georges Rousse fue huésped como pintor en la Villa Medici en Roma. En esta ocasión, comienza una serie titulada «Embrasures» que se traduce en trabajo sobre luz y arquitectura, juego de colores, juego de palabras entre las puertas de estos lugares abandonados y la conflagración. representado por el color rojo.
«Estos son lugares de incandescencia y regeneración del sol, todo el interior que pinté en rojo cinabrio para simbolizar el fuego».
Mapas / Planes
Hijo de un soldado, Georges Rousse viajó mucho durante su infancia y durante toda su vida; ya sea para estas diferentes instalaciones o exposiciones (Francia, Europa, Estados Unidos) o para estos viajes personales (trekking en Nepal). Para él, la creación artística y los viajes son dos dimensiones totalmente interdependientes de su vida que se alimentan mutuamente.
«Viajo para crear, tanto como creo para viajar»
Crea una serie superponiendo la vista del espacio con una reproducción de mapas topográficos de Nepal. A través de este trabajo, el artista cuestiona la noción de memoria, el uso del mapa se ha movido de un recuerdo de paisajes cruzados a un recuerdo de la historia misma. Además, algunas obras de esta serie son una forma de protesta y compromiso del artista. Por ejemplo, elaboró el plan de la ciudad de Hiroshima en 1940 en una casa perteneciente a la familia imperial. Por lo tanto, el trabajo se sitúa entre la memoria de la historia y una protesta contra la energía nuclear.
Colecciones
Desde su primera exposición en París, en la Galerie de France en 1981, Georges Rousse no ha dejado de exponer y trabajar en todo el mundo, en Europa, en Asia (Japón, Corea, China, Nepal. ), en los Estados Unidos, en Quebec, en América Latina …, siguiendo su camino artístico más allá de la moda.
Premios
- 1983 : Villa Médicis « hors les murs » à New York
- 1985 – 1987 : Villa Médicis, Rome
- 1988 : Prix ICP (International Center of Photography), New York
- 1989 : Prix de Dessin du Salon de Montrouge
- 1992 : Bourse Romain Rolland à Calcutta
- 1993 : Grand Prix National de la Photographie
- 2008 : Georges Rousse succède à Sol Lewitt comme Membre associé de l’Académie Royale de Belgique
Técnicas de disparo
Utiliza una cámara (cámara de gran formato) y trabaja en películas con planos de película de 4×5 pulgadas y una lente gran angular.
La cámara reemplaza el ojo del artista debido al uso de una lente que distorsiona el espacio. Al hacer un trabajo, Rousse coloca una capa en el vidrio esmerilado de la lente con el contorno de los contornos de lo que quiere lograr, lo que le permite verificar que el patrón deseado coincida con el contorno realizado en espacio real Él informa el motivo en este espacio con la ayuda de sus asistentes.
También utiliza películas Polaroid para almacenar el espacio de trabajo y sistemas de película de formato más pequeño (Leica R film 24×36 y lente de 28 mm con SLR digital / shift) para «tomar notas».
Dibujar
Las obras de Rousse están dibujadas en gran formato, su dimensión más pequeña suele ser de 125 cm. La mayoría de las impresiones son de 160 cm × 125 cm, algunas obras son más estrechas o cuadradas.
Hasta el año 2000, las impresiones se hicieron en Cibachrome. Desde hace unos años, las impresiones han sido impresiones digitales Lambda. Las impresiones están laminadas en aluminio Dibond. Un trabajo así editado puede estar protegido por Diasec (en) o enmarcado (por ejemplo, con una caja americana). Una obra se dibuja en cinco copias antes de considerarse agotada y, por lo tanto, ya no se puede vender.
Algunas de sus fotografías
